Estas son las imágenes ganadoras del certamen BigPicture: Natural World Photography 2019, concurso de fotografía de naturaleza

Estas son las imágenes ganadoras del certamen BigPicture: Natural World Photography 2019, concurso de fotografía de naturaleza

De hecho, los números de participación de esta sexta edición no están nada mal: 6.500 fotografías presentadas a concurso por parte de “fotógrafos de clase mundial” que representan a 67 países distintos, y que (siempre según la organización) reflejan “momentos cautivadores de la vida en la Tierra que inspiran acciones para protegerla y sostenerla”.
Big Picture 2019 Plus 02‘Changing Borders’ de Luis Manuel Vilariño Lopez. Finalista en categoría ‘Landscapes, Waterscapes, and Flora’ del concurso BigPicture: Natural World Photography 2019

Todas ellas se englobaron en seis categorías principales (‘Aquatic Life’, ‘Art of Nature’, ‘Landscapes, Waterscapes, and Flora’, ‘Terrestrial Wildlife’, ‘Winged Life’ y ‘Human/Nature’) más una categoría de ensayo denominada ‘Pushing the Limit’, que pedía “documentar aventuras extraordinarias, lugares remotos y condiciones intensas que se producen en la naturaleza”.

El jurado encargado de elegir los ganadores estaba formado por un panel de fotógrafos y editores especializados en el ramo, con la fotógrafa Suzi Eszterhas como presidenta. Ellos fueron los encargados de repartir los más de doce mil dólares de premios en metálico. Con un galardón principal de cinco mil para el ganador absoluto.

Big Picture 2019 Plus 01‘Willow Analgesic’ de David Maitland. Finalista en categoría ‘Art of Nature’ del concurso BigPicture: Natural World Photography 2019

Este dinero fue, en esta ocasión, para el fotógrafo noruego Audun Rikardsen por la foto ‘Black Grouse Showing Off’ que muestra a un urogallo negro tratando de impresionar a las hembras de su especie desde lo alto de una rama cerca de la costa. Según cuenta, el fotógrafo pasó tres años en la zona tratando de retratar un águila dorada y resultó que este carismático urogallo volvía de vez en cuando y acabó acostumbrándose a su cámara hasta acabar como protagonista de la foto.

La imagen, junto al resto de ganadoras de las distintas categorías y algunos de los finalistas (hasta un total de 50 imágenes) se expondrán en la exhibición anual de fotografía que organizan en la Academia de Ciencias de California en San Francisco y que, este año, se inaugurará el próximo 26 de julio de 2019. Os dejamos como siempre, con las fotos ganadoras (más algún finalista) y os recomendamos la visita a su web.

Ganadores BigPicture: Natural World Photography 2019

Ganador absoluto: Audun Rikardsen (Noruega) con ‘Black Grouse Showing Off’:

BigPicture

Categoría Aquatic Life

Ganador: Pier Mane con ‘Sea Dragon’:

BigPicture

Categoría Art of Nature

Ganador: Chiara Salvadori con ‘Clouds of Salt’:

BigPicture

Categoría Landscapes, Waterscapes, and Flora

Ganador: Armand Sarlangue con ‘Duality’:

BigPicture

Finalista: Jingong Zhang con ‘Bohemian Skirt’:

BigPicture

Categoría Terrestrial Wildlife

Ganador: Mike Korostelev con ‘Brown bear. Underwater view.’:

BigPicture

Finalista: Daniel Dietrich con ‘Boneyard Waltz’:

BigPicture

Finalista: Julie Fletcher con ‘Resilience’:

BigPicture

Finalista: Prince (Buddy) Eleazer con ‘Traveling to the Edge’:

BigPicture

Categoría Winged Life

Ganador: Piotr Naskrecki con ‘Losing Wings’:

BigPicture

Categoría Human/Nature

Ganador: James Gifford con ‘The Human Touch’:

BigPicture

Categoría 2019 Photo Story: Pushing the Limit

Ganador: Peter Mather con ‘Longest Migration’:

Longest Migration 01
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Longest Migration 02
Longest Migration 03

Más información y fotos | BigPicture: Natural World Photography Competition 2019

Estas imágenes aparecieron originalmente en bioGraphic, una revista online sobre ciencia y sostenibilidad que es patrocinador oficial de la BigPicture: Natural World Photography Competition de la Academia de Ciencias de California.

Fuente: xatakafoto.com




Los patrones en fotografía: cómo localizarlos y aprovecharlos para lograr buenas imágenes

Los patrones en fotografía: cómo localizarlos y aprovecharlos para lograr buenas imágenes

La repetición de objetos, lo que en fotografía denominamos “patrones”, es una técnica ampliamente presente en las artes visuales. Utilizarlos es una buena oportunidad para concentrar nuestra mente en aspectos cruciales como las formas, las líneas y, en definitiva, la composición, y permite no sólo componer de forma efectiva sino también dar cierto ritmo a las fotografías. Por eso, vamos a ver cómo emplearlos de forma más efectiva.

Podemos encontrarlos en multitud de lugares, tanto en la naturaleza (como en las flores, hojas o las pieles de animales) como en entornos artificiales (sobre todo por la arquitectura), y nuestro cerebro tiende a buscarlos (tal y como contábamos en este artículo), por su simetría, como una forma de recordar cosas y de fijar imágenes en nuestra memoria. Por eso, su inclusión en las fotografías es sin duda un buen recurso útil para cualquier tipo de composición.
Patrones Fotografia Como Encontrarlos Y Aprovecharlos 8Foto de Paul Bergmeir

Pero también son una tentación que puede hacer que obtengamos fotografías curiosas para utilizar como fondo de pantalla (lo cual tampoco es desdeñable de por sí) pero sin demasiado interés más allá. Por eso vamos a tratar de ver cómo sacarles partido con algunos consejos prácticos que pretenden hacer su uso más efectivo.

El equipo necesario

Pero antes vamos a detenernos un poco en el tipo de cámaras y objetivos más recomendados para este tipo de fotografías. Aunque nuestro primer consejo es precisamente que, como norma general, no hace falta ningún equipo especial. Ésta es una de esas prácticas en las que el ojo es más importante que la cámara, pero sí es cierto que hay algunas cosas que apuntar.

Patrones Fotografia Como Encontrarlos Y Aprovecharlos 3Foto de Imthaz Ahamed

Lo primero es que, aunque ciertamente sirva cualquier cámara, desde una réflex a un smartphone, sin duda es ideal contar con un equipo de cierta polivalencia y al que se le puedan acoplar objetivos diferentes. Porque en este caso si hay una recomendación que podemos hacer es, por un lado, utilizar un objetivo macro y, por otro, un teleobjetivo.

Con el primero (o algunas de las otras posibilidades que se usan en macrofotografía como las lentes de aumento y los tubos de extensión) se nos abrirán las puertas de un mundo en el que posiblemente encontraremos infinidad de motivos que contienen patrones naturales, como las plantas, las flores o los insectos. Con lo segundo, un teleobjetivo, podremos identificar y aislar elementos repetitivos dentro de una escena amplia.

Patrones Fotografia Como Encontrarlos Y Aprovecharlos 22Foto de paulbr75

Por lo demás, aparte de cámara y objetivos, podemos hablar de algunos accesorios que nos pueden ser de utilidad, aunque no se salen para nada de los que siempre recomendamos. En concreto hablaríamos de un buen trípode, por si necesitamos disparar con velocidades de obturación lentas, y quizá de un flash que nos aporte un apoyo lumínico en ciertos entornos.

La técnica adecuada

En cuanto a esto, tampoco estaríamos hablando de nada especial, y de hecho los ajustes que elijamos deberían depender más de la situación lumínica que del tipo de foto que estamos haciendo. En este caso una adecuada composición es mucho más importante que una técnica concreta; Sin embargo, de nuevo sí que podemos apuntar algunos consejos o recomendaciones.

Patrones Fotografia Como Encontrarlos Y Aprovecharlos 17Foto de cristi21tgv

Por ejemplo que en principio es recomendable buscar una amplia profundidad de campo con el fin de garantizar el mayor nivel de detalle dentro de todo el espectro de la imagen, por ejemplo recurriendo a la técnica del F8 o a la hiperfocal. Si estamos hablando de fotografía macro, a lo mejor incluso tenemos que ir más allá y utilizar técnicas de apilamiento de enfoque.

Claro que lo anterior no quita para que en un momento dado optemos por lo contrario, por un desenfoque selectivo, con el fin de romper la monotonía de una foto demasiado repetitiva. Piensa que la nitidez absoluta no es ni mucho menos una obligación, y de hecho a veces podemos intentar jugar con desenfoques o incluso zonas trepidadas (usando velocidades bajas) que den a los patrones un aspecto abstracto que puede llegar a ser muy impactante.

¿Dónde encontrarlos?

Patrones Fotografia Como Encontrarlos Y Aprovecharlos 35Foto de Erol Ahmed

Ya os hemos adelantado que podemos encontrar elementos que se repiten en todas partes, tanto en lugares naturales como artificiales. Sin embargo a veces no nos resultan tan obvios como podría parecer, bien porque están “camuflados” o porque no tenemos el ojo lo suficientemente entrenado. Porque un ojo fotográfico certero es sin duda el mejor “cazador” de patrones, así que el mejor consejo es estar muy atentos a todo lo que nos rodea.

De cualquier forma, en la naturaleza es sencillo encontrarlos, sobre todo formando parte de la fisonomía de los seres vivos, tanto en animales como plantas. Los simples pétalos de una flor suelen ser un buen ejemplo de patrones, pero también la estructura de árboles y plantas, así como la piel de los animales. Un buen ejemplo de esto son las cebras con su curioso pelaje en blanco y negro, pero cualquier animal visto desde lo suficientemente cerca está compuesto de patrones. Claro que tampoco hay que acercarse tanto, porque los patrones pueden encontrarse de forma natural en muchos paisajes.

Patrones Fotografia Como Encontrarlos Y Aprovecharlos 20Foto de dw-lifestylefotografie

En cuanto a los patrones artificiales, son igualmente abundantes (incluso más) en todos esos lugares habitados por la especie humana, especialmente en las ciudades. En ellas, la arquitectura y el urbanismo tiende a la repetición tanto en entornos amplios (como las estructuras de muchos edificios o la disposición de elementos de todo tipo) como en áreas más reducidas (como la textura y composición de objetos como una pared de ladrillos).

Por eso, aquí más que ser capaz de encontrar patrones casi me atrevería a decir que la labor más complicada está en ser capaz de hallar su atractivo visual y de ponerla en valor con una composición adecuada y que, además, sea capaz de comunicar. Algo de lo que vamos a hablar a continuación.

Patrones Fotografia Como Encontrarlos Y Aprovecharlos 33Foto de Dmitri Popov

Cómo sacarles provecho

Llegamos por fin a la parte crucial del artículo, cómo aprovechar los patrones para mejorar nuestras fotos, o cómo fotografiar patrones con más criterio, que todo puede ser. Porque esto es lo realmente importante, lograr una imagen que impacte pero, al mismo tiempo, que transmita algo(eso que podemos denominar una “buena fotografía” pero que tan difícil es de definir, aunque de vez en cuando lo intentemos).

Patrones y ritmo

Para empezar, tenemos que ver la relación, que ya apuntamos al principio, entre los patrones y el ritmo de las imágenes. Tal y como os contamos en un artículo sobre el ritmo en fotografía, “consiste en la repetición rítmica de líneas y formas. Por lo general, dichas repeticiones producen una sensación agradable para el ojo humano.”

Patrones Fotografia Como Encontrarlos Y Aprovecharlos 16Foto de Ziga Radsel

Es decir, la reiteración de patrones, dependiendo de la frecuencia con la estos se repiten, logra que la imagen tenga cierto ritmo, haciendo que el ojo vaya naturalmente de unos a otros siguiendo el ritmo. Así, como dijimos también entonces, “en algunos casos, el ritmo puede llegar a convertirse en el tema principal de la fotografía.” Claro que si abusamos podemos caer en la monotonía y aburrimiento, así que lo aconsejable (como en todo) es emplearlos con moderación, o mejor aún, romperlos.

Rompiendo patrones

Seguramente el recurso más efectivo, y también bastante fácil de aplicar, es el de romper el ritmo introduciendo en la composición un elemento “ajeno”. Puede ser con un elemento distinto o en una posición diferente, puede ser introduciendo un brillo o una figura humana, el caso es añadir un elemento que rompa la monotonía y añada interés a la fotografía.

Patrones Fotografia Como Encontrarlos Y Aprovecharlos 14Foto de VirtualWolf

Por eso lo citábamos como uno de esos trucos efectivos para dirigir la atención del espectador en una fotografía, porque inevitablemente atrae la mirada al romper el ritmo visual de nuestro ojo y hacerle que centre su atención en otra cosa. De hecho, utilizar los patrones y el ritmo que crean como elemento secundario de una composición, con un elemento predominante bien destacado gracias a ello, es una técnica muy efectiva, sobre todo si la combinamos con la conocida regla de los tercios.

El color… y su ausencia

Un elemento que suele funcionar bien a la hora de crear redundancias de elementos, y también al romperlos, es el color. Gracias a él podemos identificar muy rápidamente determinados patrones, pero también a veces la tonalidad puede hacer que entendamos elementos distintos como semejantes y los consideremos patrones. Además, el color también funciona muy bien a la hora de romper el ritmo introduciendo una discordancia de tonalidad.

Patrones Fotografia Como Encontrarlos Y Aprovecharlos 27Foto de irenne56

Por otro lado, también hay que considerar que a veces el color distrae hasta el punto de hacernos perder patrones interesantes relacionados con las formas o las texturas. Así, a veces es recomendable elegir un tratamiento de las fotografías en blanco y negro para potenciar una determinada repetición de elementos que podría haber pasado desapercibida.

Patrones Fotografia Como Encontrarlos Y Aprovecharlos 10Foto de Samuel Zeller

Luz, textura y minimalismo

Además del ritmo, otros recursos que normalmente se asocian con la repetición de elementos son la textura y determinadas iluminaciones que la potencian. No en vano en la textura de la piel y las cosas podemos encontrar muchos patrones, que pueden apreciarse mucho mejor cuando la luz les llega a forma lateral, por ejemplo a la hora del amanecer y el atardecer, gracias al juego de luces y sombras.

Patrones Fotografia Como Encontrarlos Y Aprovecharlos 36Foto de Ferdinand Stöhr

Igualmente el minimalismo fotográfico está muy relacionado con los patrones, cuya búsqueda suele ser constante en esta disciplina. De modo que no es rara esta asociación que no debemos pasar por alto si nos encontramos a la caza y captura de patrones. De hecho, como podéis ver, algunas de las fotos que hemos incluido para ilustrar el artículo no son otra cosa que texturas o imágenes minimalistas que de algún modo buscan la abstracción gracias al uso de elementos repetidos.

Patrones Fotografia Como Encontrarlos Y Aprovecharlos 23Foto de Andrew Ridley

Y con esto hemos terminado esperando haberos animado a poner en práctica este tipo de fotografía y no sin volver a insistir en la necesidad de desarrollar nuestro ojo para encontrar patrones y sacarles provecho. Algo que, por supuesto, se puede desarrollar con el tiempo y la experiencia. Ah y por supuesto os animamos a aportar vuestras propias sugerencias sobre este tema.

Fuente: xatakafoto.com




La Regla del 500 en fotografía astronómica. Qué es y cómo se aplica

La Regla del 500 en fotografía astronómica. Qué es y cómo se aplica

Seguro que ya sabes que en fotografía hay todo tipo de reglas y normas (la más conocida, la Regla de los Tercios) pero quizá nunca hayas oído hablar de la Regla del 500, una norma pensada para hacer un poco más sencilla la tarea de fotografiar estrellas y conseguir que no aparezcan los temidos rastros (conocidos como startrails) que se producen debido al movimiento de la Tierra.

Regla 500 Fotografia Estrellas Que Es 6Foto de Chris Leggat

Como bien sabemos, la Tierra está en continuo movimiento rotatorio alrededor del sol y, por tanto, si queremos que las estrellas aparezcan en la foto como puntos (la forma más “natural”), debemos hacerlas en un determinado espacio de tiempo para que no salgan movidas. Sin embargo, como también debes saber, este tipo de imágenes se consiguen utilizando largas exposiciones.

Luego ¿cómo saber cuánto tiempo de exposición podemos utilizar sin que empiecen a aparecer los rastros de estrellas? En principio, podemos decir que no deberíamos superar los 30 segundos de exposición; Sin embargo, la Regla del 500 nos ayuda a establecer de manera más definida el tiempo que podemos tener abierto el obturador.

¿Cómo? Es sencillo. La Regla del 500 dice que, simplemente, tenemos que dividir esa cifra (500) entre la focal que estemos utilizando para obtener la cifra de segundos que podemos exponer evitando los rastros de estrellas. Es decir, si por ejemplo estamos disparando a 28mm, dividimos 500 entre 28 y el resultado es 17,86, que serán los segundos que podemos tener abierto el obturador.

Regla 500 Fotografia Estrellas Que Es 2Foto de Thomas Ciszewski

Si en vez de un angular hemos elegido un tele de, por ejemplo, 80mm, la cuenta será 500/80=6,25 segundos y así con todos las distancias focales que podamos usar. Eso sí, importante, hay que utilizar la focal equivalente a 35 mm, con lo que si nuestro sensor no es de tamaño full frametendremos que multiplicar la focal por el factor de recortecorrespondiente. A continuación, una relación orientativa de cifras en las que podemos movernos:

DISTANCIA FOCAL EN 35 MM EXPOSICIÓN MÁXIMA
12 mm 41,7 segundos
14 mm 35,7 segundos
16 mm 31,3 segundos
18 mm 27,8 segundos
24 mm 20,8 segundos
28 mm 17,9 segundos
35 mm 14,3 segundos
50 mm 10 segundos
80 mm 6,25 segundos
100 mm 5 segundos

Como podéis comprobar, cuando más larga sea la focal que usemos, menos margen de maniobra tendremos para la foto. Por otro lado, si decimos que es orientativa es, precisamente, porque como toda regla ni es perfecta ni debemos aplicarla de forma estricta (ya sabéis, las reglas hay que conocerlas para saber romperlas). De hecho, esta norma que fue muy útil en los tiempos de la fotografía química, ahora ha quedado bastante olvidada gracias a aplicaciones móviles que nos ayudan a calcularlo fácilmente.

Regla 500 Fotografia Estrellas Que Es 4Foto de Eric Fleming

Hablamos, como ya habréis podido imaginar, de apps como la conocida Photopills, que (entre otras funciones) también nos ayuda a determinar el tiempo de exposición máximo que podemos realizar para evitar (o conseguir) las startrails. Sin embargo, nos parecía interesante que conocieseis la Regla de los 500 por si preferís hacerlo “al estilo antiguo”u os encontráis en una situación en la que (por lo que sea) no podéis echar mano del móvil.

Cómo hacer fotos de estrellas

De la Regla del 500 ya habíamos hablado en algunas ocasiones, siempre en casos relacionados con la fotografía de estrellas, así que nos parece buena idea ofreceros unos consejos para iniciaros en este tipo de tomas.

Regla 500 Fotografia Estrellas Que Es 3Foto de Ramón Portellano

Por cierto que ya no estamos hablando de evitar los rastros de estrellas, porque al captarlas también podemos optar por potenciar el movimiento tratando de crear por ejemplo una de esas espectaculares fotografías circumpolares como la de arriba. En ese artículo ya explicamos la técnica básica para fotografiar estrellas (adaptado al caso concreto), pero la vamos a refrescar para que lo tengáis presente.

Lo primero hablar del equipo necesario, que comenzaría, evidentemente con la cámara. En principio no hace falta ninguna especial, sólo una que permita hacer largas exposiciones. Eso sí, cuanto más grande sea su sensor menos expuesto estaremos a sufrir ruido en la imagen. En cuanto al objetivo, por lo que hemos contado sobre la Regla del 500 está claro que lo ideal es usar un gran angular (aunque dependerá del encuadre concreto que queramos conseguir), y también es interesante que sea luminoso y ofrezca buena calidad óptica.

Regla 500 Fotografia Estrellas Que Es 5Foto de eberhard grossgasteiger

En cuanto a los accesorios, lo primero es contar con un trípodeque sea lo suficientemente estable. De esta manera, y usado con cabeza, conseguiremos que la cámara no se mueva en absoluto. Para ello, hay que asegurarse también de disparar sin producir vibraciones con nuestra mano, para lo cual podemos recurrir a varias posibilidades: Usando un disparador remoto (ya sea de cable o inalámbrico), el disparo retardado de la cámara o una app conectada a ella. Por cierto, si tenemos estabilizador en el cuerpo o los objetivos, hay que desconectarlo.

Aparte de esto, debemos saber que en este tipo de tomas se suele consumir mucha energía, por lo que son importantes las baterías de repuesto, idealmente un grip que pueda contener más baterías para no tener que tocar la cámara una vez esté instalada en el trípode.

Sobre el terreno

Ya tenemos el equipo necesario y llega el momento de hablar del siguiente paso: Elegir el lugar más adecuado y componer la foto. Por supuesto, no vale cualquier lugar, sobre todo porque hay que buscar que el cielo esté lo más libre posible de contaminación lumínica. Para ello, hay que elegir sitios alejados de cualquier foco de luz, generalmente lejos de las ciudades. En cuanto a la orientación, dependerá del hemisferio en que nos encontremos y de lo que queramos captar en concreto (lo mejor, de nuevo, recurrir a las aplicaciones móviles).

Regla 500 Fotografia Estrellas Que Es 7Foto de Jeremy Thomas

También debemos huir de la luz que aporta la luna (de nuevo vía app o, simplemente mirando el calendario lunar) y por supuesto no haría falta decir que debemos elegir una noche despejada y, preferentemente, que no sea invierno, dado que el frío y la humedad pueden ser un problema (para nosotros y nuestra cámara).

A la hora de componer la foto, nos ayudará un trabajo previo de planificación sobre el terreno que hayamos elegido y la idea que queremos plasmar. Por ejemplo, conviene usar lugares que tengan algún interés añadido (como montañas, árboles, casas, castillos…), ya que incluyendo algo interesante en el encuadre podemos enriquecer nuestras fotos más allá de lo que haya en el cielo.

Regla 500 Fotografia Estrellas Que Es 9Foto de Yesiamsebi

Decidido todo esto, llega el momento más técnico que comenzará con el enfoque, proceso para el cual recomendamos usar el modo manual por las dificultades de hacerlo en entornos muy poco iluminados. A continuación, habrá que decidir la exposición que, como ya adelantamos, se basará en una larga exposición.

Si queremos captar las estrellas como puntos podremos recurrir a lo dicho sobre las Regla del 500, ajustar la velocidad de obturación a la cifra que nos haya dado según la distancia focal que vayamos a usar. En cuanto a las otras dos variables del triángulo de exposición, lo ideal es ajustar el ISO al mínimo para evitar el ruido y poner el diafragma en supunto dulce, es decir el valor en el que nos ofrecerá el mejor rendimiento.

Regla 500 Fotografia Estrellas Que Es 8Foto de Kyle Goetsch

Por supuesto esto será si con la velocidad elegida el fotómetro nos dice que la exposición es correcta. Si no es así, jugaremos con las distintas aperturas e incluso subiremos la sensibilidad (de acuerdo a la Ley de Reciprocidad), siempre procurando no subirlo a un nivel que haga multiplicarse el ruido de la imagen y siempre utilizando el formato RAWpara posibles correcciones posteriores.

De todos modos, esta disciplina es una de esas en las que es bastante importante la experimentación y el método de ensayo y error. De hecho, al realizar una exposición tan prolongada como podrían ser 30 segundos estamos expuestos a que el calentamiento del sensor produzca mucho ruido adicional en la foto, por lo que es interesante saber con antelación hasta qué punto nuestra cámara soporta este problema.

Regla 500 Fotografia Estrellas Que Es 11Foto de photo-nic.co.uk nic

Y básicamente esta es la técnica para fotografiar estrellas, una disciplina muy interesante en la que entra en juego la pericia y los conocimientos del fotógrafo. Eso sí, gracias a nuestros consejos, y cosas como La Regla del 500, la tarea es un poco más sencilla ¿no os parece?

Fuente: xatakafoto.com




Crack Light, un panel LED muy ligero, flexible, impermeable y con alimentación USB para cámaras o móviles

Crack Light, un panel LED muy ligero, flexible, impermeable y con alimentación USB para cámaras o móviles

Sin duda la llegada de la tecnología LED ha cambiado el panorama de la iluminación, permitiendo soluciones de tipo portátil tan sorprendentes como Crack Light, un panel luminoso de tipo LED que se puede conectar al teléfono o la cámara como apoyo luminoso y tiene unas características muy destacadas: Es flexible e impermeable, se alimenta vía USB y pesa tan solo 19 gramos.

Collage Crack Light By Blind Spot Exterior 2

Como podéis ver en las fotos (y vídeos que adjuntamos abajo), el gadgetestá formado básicamente por una especie de tarjeta donde se sitúan los puntos LED que posibilitan la iluminación, más un cable por el que se alimenta. Para aumentar la versatilidad del producto, se ha diseñado un accesorio, un dimmer o controlador, que sirve como interfaz para conectarlo a diversos dispositivos vía USB y también para controlar la intensidad de la luz.

Crack Light By Blind Spot Water Collage

Además, también han diseñado unos cuantos accesorios más, como monturas varias para poder acoplarlo a distintos dispositivos con mayor comodidad. Así, sus responsables, que responden al nombre de Blind Spot Gear, lo presentan como “la herramienta perfecta para cualquier creador de contenido en todo el mundo”. Y lo cierto es que se trata de una idea sencilla pero que tiene pinta de ser muy útil, ya que se puede utilizar para muchas ocasiones, incluyendo la grabación de Vlogs vía móvil o como luz de apoyo en situaciones de baja luminosidad.

 

Crack Light By Blind Spot 10

Eso sí, Crack Light es un producto aún en fase de financiación, vía campaña de Kickstarter, pero ya lleva recaudado casi el triple de su objetivo inicial (y aún queda una semana) así que no dudamos de que acabará comercializándose. Si os interesa, estáis a tiempo de participar con distintas posibilidades. Empezando por aportar unos 35 euros (30 libras) para conseguir una unidad, y subiendo a 66 euros (57 libras) para tener también el dimmer, en ambos casos con envío estimado para julio de 2019.

Collage Crack Light By Blind Spot Exterior

Fuente: xatakafoto.com




Cómo y dónde enfocar correctamente en fotografía de paisaje

Cómo y dónde enfocar correctamente en fotografía de paisaje

Normalmente a la hora de hacer una foto no suele resultar difícil saber cuál es el punto en donde debemos establecer el enfoque. Sobre todo en determinados géneros como el retrato o la fauna, donde está muy claro cuál es el sujeto principal. Pero ¿qué pasa con la fotografía de paisaje donde muchas veces no hay un protagonista y se trata de capturar una escena muy amplia y con muchos elementos?

Hace un tiempo ya os contamos cómo elegir la abertura de diafragma correcta para este tipo de fotos, y ahora le toca el turno al enfoque. Porque, como decimos, no es algo que tenga una respuesta clara, tanto desde el punto de vista creativo como técnico (si lo que queremos es tener la mayor profundidad de campo posible). Así que vamos a daros una serie de trucos y consejos para aprender a establecer el enfoque en el lugar más adecuado para nuestras fotos paisajísticas.
Centrarnos en el tema

En variadas ocasiones hemos comentado la conveniencia de tener un elemento principal en la foto que centre la atención del espectador. Incluso os contamos que puede ser conveniente incluir personas en las fotos de paisaje. Si es el caso, y decides incluir en la imagen un elemento principal (que también puede ser natural, como por ejemplo un árbol ) o si te encuentras uno y decides aprovecharlo (como en la foto de abajo), es evidente que lo suyo es enfocar al punto donde se encuentra ese sujeto principal que se lleva el protagonismo.

Trucos Enfocar Fotografia Paisaje 02Foto de Cassie Boca

Lógicamente, siendo protagonista de la imagen no se entendería que ese elemento no estuviera enfocado. Luego ya será el momento de decidir si queremos que se lleve el protagonismo absoluto desenfocando todo el resto de la imagen (en la medida de lo posible, claro), o si queremos que haya nitidez en toda la escena.

Ojo con el enfoque a infinito

Si no tenemos ese elemento principal, es muy posible además que lo que intentemos capturar se encuentre lejos de nosotros. Y, como sabréis, a partir de cierta distancia (entre ocho y diez metros) la mayoría de ópticas pasan de enfocar a un valor determinado a hacerlo a infinito. Es decir, todo lo que esté más allá de ese punto será infinito, así que es recurrente acabar enfocando a infinito.

Trucos Enfocar Fotografia Paisaje 07

Así que si estamos haciendo una foto donde la mayoría de elementos principales se encuentran más allá de diez metros puede parecer que deberíamos simplemente fijar el enfoque en infinito (ya sea de forma manual o haciendo que el sistema AF enfoque en un punto situado al fondo de la escena). Claro que esta pocas veces es una buena táctica porque, como sabréis, incluso para hacer una foto de la luna es mejor enfocar en un punto menos alejado.

Trucos Enfocar Fotografia Paisaje 06Foto de Vladimir Riabinin

Además, aunque la mayoría de elementos estén al fondo, seguro que hay muchas cosas situadas más cerca de nosotros que quizá también merecen atención. Así que, como norma general (y antes de ver otras posibilidades), siempre es mejor enfocar un poquito más cerca que el infinito teniendo en cuenta que la profundidad de campo siempre será mayor por detrás del punto enfocado que por delante.

Cuidado con lo cercano

Muchas fotografías pueden estropearse si el primer plano de la foto (lo que se encuentra más cerca, aunque físicamente puede estar relativamente lejos) no tiene nitidez. Por ello, antes de disparar deberíamos fijarnos si hay algún elemento que está relativamente cerca de la cámara, pensar si preferimos que esté o no enfocado y qué efecto tendría en cada caso.

Trucos Enfocar Fotografia Paisaje 03Foto de Austin Neill

De todos modos, como norma general en fotografía de paisaje (y salvo que queramos aportar cierto dramatismo) suele ser conveniente que haya la mayor profundidad de campo posible, y para ello tendremos que poner en práctica nuestros conocimientos sobre este tema.

Incluso si pretendemos tener zonas desenfocadas es esencial saber cómo funciona la profundidad de campo, porque gracias a ella podremos obtener los resultados esperados. Claro que si pretendemos que todo esté perfectamente enfocado, no bastará con cerrar el diafragma y usar un angular (que, como sabréis, son los parámetros más importantes) sino que habrá que recurrir a otras estrategias.

Utilizando la hiperfocal

La más conocida es ésta, de la que casi seguro has oído hablar al menos una vez. La distancia hiperfocal no es sino una distancia a la que podemos situar nuestro enfoque para obtener (teóricamente) la máxima profundidad de campo en una foto. Esta abarcará aproximadamente desde la mitad de la propia distancia de enfoque hasta el infinito y para calcularla hay que tener en cuenta una serie de variables: Distancia focal, apertura de diafragma y diámetro del círculo de confusión (que depende del tamaño del sensor).

Trucos Enfocar Fotografia Paisaje 05Foto de Tina Rolf

Como es un concepto complejo (que además no está exento de problemas), os remitimos a este especial donde tratamos sobre ella extensamente, aunque sí os adelantamos que existe una fórmula para calcularla pero que, para facilitarnos el trabajo, hay aplicaciones que lo hacen automáticamente.

Otras técnicas para enfocar

Pero la hiperfocal no es la única manera de conseguir que en una imagen haya una gran profundidad de campo. Hay otros métodos, como por ejemplo el apilamiento de imágenes, que consiste en tomar múltiples imágenes de una misma escena utilizando diferentes puntos de enfoque y luego apilarlas (de ahí el nombre) en el posterior procesado.

Trucos Enfocar Fotografia Paisaje 04Foto de Jack Millard

Otra posibilidad es la denominada técnica de doble distancia, una opción mucho menos conocida que consiste en enfocar al doble de distancia del objeto que esté más cerca de la cámara.

Trucos Enfocar Fotografia Paisaje 08Foto de Paul Jarvis

Esperamos que alguna de estas posibilidades sean útiles para aplicarlas cuando estéis sobre el terreno. Por supuesto, no son reglas inmutables ni que sirvan para todas las situaciones, pero al menos sí que son unas pautas con las que guiarnos a la hora de hacer una foto de paisaje.

Fuente: xatakafoto.com




Trucos y consejos para hacer fotografías de niebla y neblina

Trucos y consejos para hacer fotografías de niebla y neblina

La niebla y/o neblina es uno de esos fenómenos que en principio pueden verse como un mal momento para practicar fotografía, pero que si se saben utilizar bien pueden ser un recurso muy valioso. Eso sí, ya sea la típica neblina que se forma a veces por las mañanas o una intensa niebla típica de ciertas zonas, hay que saber cómo captarla para conseguir buenos resultados.

Trucos Consejos Hacer Fotos Niebla Neblina 17Foto de Simon Buchou

Justo lo que nos proponemos con este artículo de consejos y recomendaciones para captar unos elementos que tienen mucho de enigmático, y que pueden ayudarnos a agregar drama, misterio o un estado de ánimo melancólico a cualquier paisaje, ya sea urbano, rural o, incluso, marítimo.

Cómo elegir el momento

A la hora de hablar de hacer fotos con niebla y/o neblina lo primero que hay que tener en cuenta es que hay que encontrar estas condiciones para poder tomar las imágenes. Y, claro, ciertamente que haya niebla o neblina no es algo que se pueda planificar fácilmente. Pero antes de seguir vamos a definir claramente qué es una cosa y qué la otra. La niebla se produce por la presencia de nubes densas a nivel de suelo, mientras que la neblina es “niebla poco espesa y baja” (según la RAE), y suele producirse por diferencias de temperatura que hacen que las gotas de agua se mantengan en el aire.

Trucos Consejos Hacer Fotos Niebla Neblina 3Foto de jacinta lluch valero

Sea como fuere, y aunque sea difícil pronosticar su presencia, sin duda todos sabemos que es más probable que ambos fenómenos se formen por la noche y, sobre todo, por la mañana temprano. De modo que, como pasa en muchas otras ocasiones, la mejor receta para el fotógrafo es… ¡Madrugar!

Así que toca poner el despertador temprano aunque, por supuesto, para determinar si es probable que un día concreto vaya a haber neblina o niebla es más que recomendable estar pendientes de las previsiones meteorológicas, ya sea a través de alguna de las muchas apps para el móvil que existen o cualquier otro medio.

Trucos Consejos Hacer Fotos Niebla Neblina 13Foto de Michal Kubicek

De cualquier manera, hay que tener en cuenta que los mecanismos de formación de la niebla dependen mucho de la región geográfica y de las condiciones ambientales. Así, hay ciertos lugares donde puede producirse con mayor frecuencia como los valles de las montañas, los lagos y el mar, sobre todo en épocas de clima cambiante como el otoño y la primavera. En estas circunstancias, por cierto, hay que recordar la importancia de cuidar tanto nuestro equipo como a nosotros mismos en este tipo de ambientes húmedos o bien donde pueda haber frío intenso.

¿Cómo enfocar y exponer?

A nivel técnico, hay dos cuestiones clave a tener en cuenta para hacer fotografías con niebla o neblina. El primero referido a la forma de enfocar en estas situaciones en las que suele haber un contraste muy bajo; El segundo sobre cómo exponer en estas condiciones que suelen ser muy desfavorables ya que engañan al exposímetro de la cámara. Esto hace que sea bastante fácil volver a casa con unos resultados decepcionantes, con fotos desenfocadas y/o subexpuestas.

Trucos Consejos Hacer Fotos Niebla Neblina 7Foto de Jan Haerer

Por lo que toca al enfoque, lo habitual es que las cámaras trabajen buscando elementos donde haya diferencias de contraste para conseguir el enfoque; El problema, precisamente, es que con niebla y/o neblina hay poco o ningún contraste. Si encima pensamos que a menudo los niveles de luz son bajos tendremos las condiciones ideales para que nuestra cámara se vuelva loca.

Por supuesto dependerá del tipo de cámara que estemos usando, y de si utiliza enfoque por contraste o por diferencia de fase (en este segundo caso el resultado será mejor), pero aún así estamos ante uno de esos casos en los que lo más recomendable es pasar a enfoque manual.

Incluso así no será una tarea fácil, porque necesitaremos encontrar algún tipo de elemento lo suficientemente definido como para enfocar. Sin embargo, siempre podremos recurrir a enfocar teniendo en cuenta la distancia a la que nos encontremos del tema principal y jugar con la profundidad de campo para asegurarnos la nitidez necesaria.

Trucos Consejos Hacer Fotos Niebla Neblina 15Foto de Ryan Lum

El otro problema técnico que debemos resolver en estas situaciones es el referido a la exposición, ya que hablamos de un escenario en el que los sistemas de medición de la cámara suelen verse engañados con facilidad, tal y como ocurre cuando se hacen fotos en la nieve o en una playa de arena blanca. Así, si dejamos la tarea a la cámara es fácil que el resultado sean fotos subexpuestas.

El porqué ya lo explicamos en artículos como éste pero os lo resumimos: Los exposímetros están calibrados para medir la luz reflejada que les llega como un porcentaje del 18% correspondiente a un gris medio. Cuando se encuentran en situaciones donde la luz reflejada es mucho mayor (como el que estamos hablando) o menor, tiende a interpretarlo mal. En el caso de la niebla y neblina, al reflejar mucha luz, la cámara interpreta que hay más iluminación de la que realmente hay y lo compensa subexponiendo.

La solución, claro está, es forzar a la cámara a que aumente la exposición, ya sea utilizando el modo manual o empleando la compensación de exposición si usamos los modos de disparo automáticos o semiautomáticos.

Trucos Consejos Hacer Fotos Niebla Neblina 11Foto de Medena Rosa

La cantidad a sobrexponer dependerá mucho de las condiciones concretas de la toma, pero como guía podemos recomendar subir una parada de luzy comprobar el resultado. Aunque también es un buen momento para echar mano del histograma y tratar de derechear la exposición.

Aspectos creativos

Teniendo dominada la parte técnica, llega el momento de centrarse en la parte creativa y aprovechar que la niebla y/o neblina pueden ayudarnos a conseguir unas imágenes increíblemente evocadoras. Sin embargo, si no atinamos con la composición no es difícil que lo que consigamos sean unas fotografías de aspecto insípido. Por eso, conviene tener en cuenta algunas cuestiones.

Trucos Consejos Hacer Fotos Niebla Neblina 6Foto de Artur Rutkowski

Lo fundamental es que con estas condiciones meteorológicas, además de disminuir el contraste (como ya hemos comentado de sobra), también se aplana la perspectiva. Por ello, es posible que una escena que a simple vista percibimos como muy atractiva se plasme en una foto muy diferente. Por ello, es importante agregar profundidad a la imagen con algún tipo de recurso.

Muchos de ellos son los mismos que estos otros para dirigir la mirada del espectador: Utilizar líneas que nos dirijan hacia el interior de la imagen (como el punto de fuga), buscar elementos para encuadrar el elemento principal, o simplemente echar mano de las reglas de composición, como la famosa Regla de los tercios, para conseguir una composición interesanteque aporte tridimensionalidad.

Trucos Consejos Hacer Fotos Niebla Neblina 10Foto de John Westrock

Por supuesto las posibilidades son muchas, incluyendo introducir una figura humana que aporte interés a la foto. En este sentido también es interesante no olvidarnos de las siluetas, que en estas condiciones pueden ser muy atractivas y aportar mucho misterio a las fotografías.

Otra técnica que funciona muy bien en estos ambientes es la yuxtaposición de elementos, particularmente cuando la niebla es ligera y se entremezcla en el terreno. Si eso lo unimos con la luz dorada del amanecer, el resultado puede ser muy atractivo y dar una gran sensación de profundidad. Y es que, como en tantas ocasiones, durante el amanecer (y el atardecer, si hubiera niebla) los rayos del sol pueden proyectar hermosas sombras entre la niebla y/o la neblina creando una excelente textura para nuestras fotos.

Trucos Consejos Hacer Fotos Niebla Neblina 9Foto de JOHN TOWNER

Así que ya sabéis, lejos de ser un problema, la niebla y la neblina son elementos estupendos para hacer fotos porque pueden ayudarnos a obtener imágenes únicas, con ambientes misteriosos y etéreos. ¿Y vosotros qué opináis? ¿Os gusta la niebla y/o neblina para hacer fotos? ¿Tenéis algún consejo que compartir al respecto?

Fuente: xatakafoto.com




Claves para iniciarse y sacar partido de la fotografía minimalista

Claves para iniciarse y sacar partido de la fotografía minimalista

El minimalismo fotográfico es una corriente artística que se caracteriza por la extrema simplicidad. Todo un reto para los fotógrafos que deben esforzarse por buscar la sencillez en cualquier tipo de escena pero tratando de contar algo con elementos mínimos. Porque esto, que haya una historia o un tema subyacente, es lo que hará que la fotografía en cuestión dé el paso desde ser una “foto bonita” a ser una buena foto.

Por eso, hacer fotografía minimalista no es nada sencillo. Primero porque puede ser complicado acostumbrarse a lograr la necesaria simplicidad; segundo porque contar una historia a partir de una imagen con elementos muy básicos no es una tarea fácil.
Sacar Partido Minimalismo 11Foto de Timothy Meinberg

Pero ¿qué es el minimalismo? Pues si recurrimos a lo que la RAE dice al respecto nos encontramos con dos acepciones: “Corriente artística contemporánea que juega con elementos limitados” y “Tendencia estética e intelectual que busca la expresión de lo esencial eliminando lo superfluo”.

Como veis, todo apunta hacia la sencillez, el “menos es más” y la utilización de elementos limitados en los que tenemos que ser capaces de extraer toda su expresividad. Como todo arte visual, sus fundamentos se encuentran en los elementos básicos del diseño (la línea, la forma, el color, la textura, la forma, la composición…), pero en este caso utilizándolos en su forma más pura y simple.

Por ello, estos elementos normalmente cobran un peso que no encontramos en otro tipo de fotografía, convirtiéndose muchas veces en únicos protagonistas. Todo ello lo vamos a ver a continuación donde os mostramos algunas de las claves para ser capaces de adentraros en el apasionante ámbito de la fotografía minimalista.

Composición

Sacar Partido Minimalismo 09Foto de Mikito Tateisi

Seguramente lo más determinante para que una fotografía sea minimalista es su composición, ya que a través de ésta nos encargaremos de hacer que lo que aparece en la imagen cumpla la regla de la sencillez. Como es lógico, la idea es incluir lo imprescindible, eliminar cosas innecesarias y ayudarse de elementos básicos que vamos a ver más adelante (líneas, color, texturas…) para componer una imagen significativa.

Por ello se suele tender a aislar objetos (tal vez usando un teleobjetivo), ya que es una posibilidad de lograr fotos minimalistas (incluso llegando a veces a la fotografía macro), aunque desde luego también se puede hacer minimalismo utilizando planos abiertos (y grandes angulares), porque la sencillez puede encontrarse en cualquier ambiente, ya sea natural o urbano.

Por otro lado, y debido precisamente a la simplicidad, en fotografía minimalista es bastante recomendable echar mano de las reglas de composición como la conocidísima regla de los tercios, que en este tipo de imágenes suele ser muy útil para dirigir la atención del espectador hacia el tema principal.

Sacar Partido Minimalismo 01Foto de Marc Brüneke

Por último, ten en cuenta también la importancia del espacio negativo, es decir el espacio que en teoría está vacío y que en fotografía minimalista suele cobrar un especial significado. Además de servir para que la imagen “respire”, este espacio interactúa directamente con el resto de elementos incluidos en la foto y, por tanto (y siempre teniendo en cuenta la prioridad de simplificar) debe estar en armonía para que la composición funcione.

El color

El color es una cualidad que puede convertirse en el mejor aliado del fotógrafo minimalista. Y es que jugar con el lenguaje y las amplias posibilidades que ofrecen las diferentes longitudes de onda del espectro electromagnético es uno de los recursos más poderosos para conseguir que una imagen “hable” aunque cuente con muy pocos elementos.

Sacar Partido Minimalismo 02Foto de Chetiya Sahabandu

Este en concreto aporta expresión, emotividad, sensación, carácter y hasta simbolismo. Por eso simplemente a través del color se puede lograr expresar mucho, por ejemplo una cualidad concreta por el uso de una determinada tonalidad que se traslada a nuestra imagen. Como sabéis, los colores cálidos se identifican (entre otras) con cualidades como el calor, la alegría y el movimiento, mientras que los fríos suelen asociarse al frío, la serenidad y la fuerza.

Claro que también se puede optar por la ausencia de color, y elegir el blanco y negro, o una mezcla de ambos. De hecho, el contraste es otro elemento fundamental cuando hablamos de color, ya que la contraposición de tonalidades muy diferentes establece un diálogo que puede aportar mucha información a la imagen. Así que aprovéchate de sus posibilidades, no tengas miedo de usar el color y sácale partido jugando con las diferentes tonalidades, contrastando colores complementarios o utilizando tonos similares; hay mil y una posibilidades distintas.

Líneas

Sacar Partido Minimalismo 03Foto de Luca Bravo

Se trata de otro elemento valiosísimo en un tipo de fotografía que busca la expresividad a través del uso los elementos mínimos. Aportan sensación de dirección y energía y, dependiendo de si son rectas o curvas, también transmiten consistencia o dinamismo. Pueden aparecen de forma natural dentro de un espacio, delimitando diferentes cuerpos o tonos, o de una manera más artificial, como elementos con entidad propia.

Su utilidad es muy variada, desde cerrar espacios hasta aportar profundidad a la fotografía, pasando por el siempre importante papel que juegan a la hora de dirigir la mirada del espectador. Por eso, dado que en fotografía minimalista buscamos la máxima simplicidad, al componer la imagen hay que procurar fijarse bien en las líneas que aparecen para asegurarse de que conducen al lugar adecuado.

Formas

La “configuración externa de algo”, según la RAE, es otro elemento básico en el minimalismo fotográfico. Y es que sin duda pocas disciplinas ponen tanto en valor la forma de las cosas como ésta, en la que muchas veces un único objeto se convierte en protagonista absoluto de la imagen.

Sacar Partido Minimalismo 04Foto de Ferdinand Stöhr

Las formas elementales son el cuadrado, el círculo y el triángulo, cada uno con sus propias cualidades, pero es evidente que se trata de elementos básicos que se yuxtaponen en infinitas combinaciones, tanto en el entorno natural como el urbano, dando lugar a formas compuestas mucho más complejas y con sus propias cualidades.

Así, las formas orgánicas normalmente son suaves y se asocian a una sensación de paz, naturalidad y uniformidad, mientras que las inorgánicas suelen ser agudas y tienden a aportar actividad y agitación en las fotografías. Todo ello debe ser tenido en cuenta a la hora de crear la imagen, decantándose por unas u otras o siendo capaz de combinar ambos aspectos en una composición dinámica.

Patrones y textura

Otro recurso muy apreciado en fotografía minimalista es la repetición de elementos, lo que se denomina patrones, que muchas veces vienen asociados con la textura. La inclusión de estos elementos en las imágenes es sin duda un buen recurso útil para cualquier tipo de composición, pero en este ámbito puede cobrar aún más valor.

Y es que minimalismo, patrones y texturas combinan de forma perfecta, y utilizarlos en conjunto tiene muchas posibilidades. Por lo que toca a los patrones, su uso puede servir tanto para enfatizar el tamaño como el número de los elementos y es muy útil para acentuar la sensación de espacio.

Sacar Partido Minimalismo 05Foto de Maarten Deckers

Por su parte, la textura apela directamente al sentido del tacto y, por tanto, agrega relieve de algún modo a la imagen. Incluirla permite resaltar al objeto y ayuda a lograr una sensación de realismo y tridimensionalidad. Además, según su forma la textura puede aportar valores extra a la imagen como suavidad, aspereza, pureza, tosquedad, violencia…

Para ello, por cierto, hay que tener en cuenta otra variable, la iluminación. Sin duda algo muy importante para cualquier imagen pero que en el caso de las texturas se convierte en fundamental para potenciar su efecto.

Fondos

Sacar Partido Minimalismo 06Foto de Rodion Kutsaev

Otro elemento fundamental que debe cuidarse en fotografía minimalista, aunque en este caso difícilmente sea el protagonista. De hecho, como en los retratos aquí lo más importante es que el fondo no desvíe la atención de lo más importante, por lo que es recomendable que sean totalmente lisos.

Claro que tratándose de imágenes basadas en el “menos es más” también es muy importante que lo que se ve en el fondo de la imagen esté en perfecta armonía con el resto y sirva bien para destacar o bien para complementar al sujeto o elemento principal de la foto.

Tema y mensaje

Sacar Partido Minimalismo 07Foto de m o n c h o o h c n o m

Como comentábamos al principio, la base de la fotografía minimalista está en agregar elementos simples, motivo por el cual también debemos limitar el tema que aparece en la imagen y buscar un mensaje sencillo y fácil de entender. Cualquier cosa es susceptible de convertirse en la protagonista de la foto, así que es recomendable comenzar con cosas simples, quizá algún objeto común que tengas en tu propia casa.

Algo en teoría aburrido puede convertirse en llamativo si eres capaz de potenciar el mensaje que transmite, aunque desde luego siempre se puede dejar a la imaginación del propio espectador. No olvidemos que la fotografía minimalista puede perfectamente encuadrarse como arte abstracto y por tanto con un significado totalmente abierto.

Sacar Partido Minimalismo 08Foto de Dennis Skley

En definitiva, todo aquel que pretenda adentrarse en el minimalismo fotográfico se encontrará en un ámbito apasionante, con unas características propias y muy particulares, con un protagonismo especial de algunos de los elementos y fundamentos más básicos de la fotografía que hemos repasado. Todo ello constituye un reto sin duda estimulante para cualquiera que esté dispuesto a tratar de lograr fotos impactantes con lo mínimo posible.

Fuente: xatakafoto.com




Claves para iniciarse y sacar partido de la fotografía abstracta

Claves para iniciarse y sacar partido de la fotografía abstracta

El realismo en fotografía es algo natural, básicamente porque este arte nos permite capturar cualquier escena que tengamos ante nosotros con un realismo que puede llegar a ser sorprendente. Sin embargo, captar la realidad tal y como es no siempre es la mejor manera de expresarnos. A veces, reducirla a formas abstractas puede ser una excelente manera de desarrollar nuestra creatividad de una forma mucho más libre.

Hablamos de la fotografía abstracta, una disciplina quizá no de las más populares pero que desde luego tiene gran atractivo y que, además, es más accesible que nunca en estos tiempos digitales. Sea como fuere, podemos decir que una fotografía abstracta es aquella que huye del realismo, que busca ofrecer al espectador una “sugerencia de realidad” en lugar de una reproducción fiel, para lo cual se puede recurrir a distintas técnicas y recursos.
Claves Iniciarse Practicar Fotografia Abstracta 02Foto de Oscar Condés

Las fotos abstractas no son difíciles de identificar precisamente por lo contrario: Porque es complicado saber con precisión qué es lo que estamos viendo. Es decir, al huir del realismo, las imágenes abstractas ofrecen un aspecto alejado (en mayor o menor medida) de lo convencional con lo que, en principio, el espectador tenderá a preguntarse qué es lo que representa la imagen.

Porque la fotografía abstracta es, de alguna manera, interpretar la realidad de otra manera o buscar elementos en ella que resulten especialmente sugerentes. La razón principal para hacer este tipo de fotos es la que ya hemos adelantado, estimular nuestra creatividad, pero es que además practicarla puede ayudarnos mucho a comprender más sobre las relaciones entre la luz y la sombra, las combinaciones de colores o cómo interactúan las formas entre sí.
Claves Iniciarse Practicar Fotografia Abstracta 03Foto de Mathias Appel

Elementos básicos en fotografía abstracta

Hay algunos elementos fundamentales en los que centrarse a la hora de tratar de buscar la abstracción: Forma, color, textura, luz y sombra. Todos ellos forman parte de los elementos esenciales de semántica visual y, por tanto, son recursos básicos con los que contamos los fotógrafos para transmitir a través de nuestras imágenes.

Claves Iniciarse Practicar Fotografia Abstracta 04Foto de Oscar Condés

El primero, la forma, es un elemento primordial de una imagen abstracta. Ya sean los detalles de una superficie o la simetría de una serie de elementos arquitectónicos, jugar con las formas es quizá la mejor manerade conseguir la abstracción. Y cuando decimos “jugar” lo hacemos, evidentemente, en el más amplio sentido de la palabra porque, como hemos dicho, se trata de conseguir resultados no realistas (es decir, no identificables fácilmente). Así, la forma ni siquiera tiene que tener una presencia física, ya que perfectamente pueden ser ondas de luz reflejadas o humo que se evapora inmediatamente.

Claves Iniciarse Practicar Fotografia Abstracta 05Foto de rawpixel

Otro elemento básico para conseguir la abstracción es el color, un ingrediente que sirve para delimitar formas, agregar contraste a la imagen y conducir el ojo del espectador (entre otras muchas posibilidades). Además, usándolo adecuadamente podemos dar a nuestra imagen una serie de cualidades que, como sabéis, suelen venir asociadas a los distintos tonos de color.

Por su parte, la textura es un elemento que por sí solo puede convertirse en protagonista de una imagen abstracta. Al acercarnos lo suficiente a los objetos podemos descubrir texturas desconocidas que se pueden interpretar como abstractas al no ser capaces de identificar fácilmente su procedencia. Además, la textura nos permite agregar definición a las formas y dar contraste a los colores de nuestra composición abstracta.

Claves Iniciarse Practicar Fotografia Abstracta 10Foto de Oscar Condés

Por último, no hay que olvidar que todos ellos son elementos estrechamente ligados a la luz y la sombra, ya que a través de ellas podemos manipular el aspecto de una textura, delimitar las formas o resaltar un determinado color.

Donde y cómo buscar la abstracción

La belleza de lo abstracto puede estar en cualquier parte. En las cosas cotidianas que nos rodean, en lugares desconocidos, en interiores o exteriores… Cualquier escenario es válido porque, en casos como éste, está claro que lo más importante es la experimentación. Por eso ya en este artículo de hace unos años decíamos que al no hablar de algo concreto o definible, sino más bien de conceptos, era difícil establecer consejos sencillos para dar a quien quiera practicar este tipo de fotografía.

Claves Iniciarse Practicar Fotografia Abstracta 07Foto de Rodion Kutsaev

Por su propia idiosincracia no existen normas ni técnicas específicas, pero sí que es cierto que podemos citar algunos “procedimientos” que se pueden usar para lograr imágenes abstractas. Empezando por la práctica de acercarnos a las cosas para captar detalles que formen parte de un objeto mayor pero que, aislados, tengan un sentido abstracto. Lo cual, llevado al extremo, nos conduce a la macrofotografía.

Lo cierto es que aislar detalles de un todo es una de las formas más sencillas pero también efectivas de iniciarse en fotografía abstracta. Algo que nos exige ser exhaustivos y observadores, y que nos permitirá fijarnos más en detalles como las texturas de los objetos y los patrones de luz. Además, si lo hacemos habitualmente pronto lo asimilaremos y nos daremos cuenta de que, a la hora de hacer fotos, pensamos de una manera distinta y más creativa.
Claves Iniciarse Practicar Fotografia Abstracta 08Foto de Sofía Condés

Otra técnica muy apropiada para conseguir la abstracción se basa en jugar con el movimiento. En este caso, como ya imagináis, en reproducir el dinamismo de algo a través del desenfoque de movimiento (motion bluren inglés), una técnica muy atractiva (basada en utilizar exposiciones largas) a la par que imprevisible.

Un buen ejemplo son las estelas de luz que alguna vez todos hemos practicado. Y es que ¿quién no ha obtenido alguna vez una fotografía movida que, sin embargo, tenía gran atractivo por sus formas anárquicas y, cómo no, abstractas? Sin duda es una manera sencilla de conseguir abstracción aunque, como decimos, tiene la particularidad de ser totalmente imprevisible.

Claves Iniciarse Practicar Fotografia Abstracta 09Foto de Colin Knowles

Una tercera vía podríamos encontrarla en el desenfoque, pero esta vez no de movimiento sino desenfoque propiamente dicho. Porque una imagen desenfocada puede tener una belleza diferente y especial, sobre todo si se combina con ciertos elementos. Es el caso por ejemplo de esas fotos de lugares con muchos focos luz que se convierten en puntos de colores cuando están totalmente fuera de foco.

También se pueden conseguir interesantes fotografías abstractas jugando con elementos muy concretos como el agua, el fuego y el humo, que producen formas también únicas e imprevisibles. Por último, hay otras técnicas o disciplinas que pueden ofrecer un mayor o menor grado de abstracción como las siluetas, el lightpainting, la niebla o neblina… Todas ellas pueden permitirnos obtener resultados muy atractivos, sin olvidar además que siempre se pueden combinar distintas técnicas para conseguir imágenes aún más abstractas.

Claves Iniciarse Practicar Fotografia Abstracta 11
Fuente: xataka.com



Ricoh GR III, información y toma de contacto de la nueva generación de ultracompacta con sensor APS-C perfecta para fotografía de calle

Ricoh GR III, información y toma de contacto de la nueva generación de ultracompacta con sensor APS-C perfecta para fotografía de calle

Se ha presentado en Londres, como ya esperábamos, la última versión de la gama GR, la Ricoh GR III. Es una cámara compacta con un sensor de 24,24 MP de tamaño APS-C y un objetivo fijo 18,3 mm F2,8, equivalente a un 28 mm en formato completo. Una máquina de gama alta que se convertirá en un objeto de deseo para muchos fotógrafos de calle.

La gama GR de Ricoh es sinónimo de alta calidad. La primera salió en la remota época de los carretes. Y once versiones después han presentado esta Ricoh GR III, una ultracompacta que sigue con la misma filosofía: la máxima calidad en el menor espacio posible.

Se la esperaba desde hace años pero en Ricoh no han querido presentar un nuevo modelo hasta poder ofrecer algo totalmente distinto a la versión anterior. Ofrece varias novedades que vamos a presentar a continuación.

Gr Iii Visuals 5Parte trasera

Pequeña, minimalista y con resultados profesionales

Durante este primer contacto, las impresiones han sido bastante positivas. Realmente se puede convertir en una cámara perfecta para la fotografía de calle: pequeña, minimalista y con resultados profesionales.

Características principales

La GR III es una cámara ultracompacta con un objetivo fijo de 28 mm(equivalente 35 mm) con una luminosidad f2,8. Está equipada con un sensor de tamaño APS-C de 24,24 MP dentro de un cuerpo de magnesio ligero y resistente.

SENSOR CMOS de 24,24 MP de tamaño APS-C
OBJETIVO 18,3 mm f2,8-f16 (28 mm equivalente en 35mm)
SENSIBILIDAD 100-102400 ISO
ENFOQUE AF híbrido (fase y contraste)
TIEMPO DE EXPOSICIÓN 1/4000-30 sg con filtro ND de dos pasos
MONITOR 3″ con 1037K y relación 3:2 de tipo capacitivo
CONEXIONES USB tipo C, Wifi, bluetooth
PRECIO 899€
 Dsf9273Realmente pequeña

Lo primero que llama la atención es la óptica fija. Y puede que sea un desatino para muchos usuarios, pero la filosofía de la cámara no comprende otro tipo de objetivo. También, para escándalo de más, solo tiene espacio para una tarjeta SD. Pero insertar otro slot solo supondría aumentar el tamaño, así que se ha descartado en el diseño.

Eso sí, esta cámara tiene estabilizador de imagen de tres ejes, y es suficiente si se recuerda que solo tiene un objetivo angular. Esto es algo que hará olvidar a otros cuantos que en lo que respecta al vídeo solo graba en Full HD.

Las novedades de la Ricoh GR III

El formato RAW de esta cámara es DNG

Durante la presentación se han remarcado las siguientes novedades que la ponen en un nivel superior a su antecesora. Y tengo que confesar, que en el breve paseo que hemos dado por las calles de Londres, han destacado bastante. Además, como el formato RAW de esta cámara es DNG, hemos podido certificarlo desde el primer momento con toda la información en bruto.

Ricohgriii1 60 Sf 2 8Ricohgriii1/60 f2 8
  1. El objetivo es totalmente nuevo. Respeta la luminosidad y la distancia focal para no hacerla más grande, pero cuenta con 6 lentes en cuatro grupos para formar la imagen más nítida dentro de la marca. El diafragma consta de 9 palas, por lo que tenemos asegurados unos desenfoques propios de objetivos profesionales. Además tiene incorporado un filtro ND de dos pasos y permite enfocar a 6 cm para lograr un buen macro.
  2. Gracias al nuevo procesador GR Engine 6 el nuevo sensor de tamaño APS-C (fabricado probablemente por Sony, como nos han comentado) ofrece una imagen con detalles y una buena respuesta en situaciones de poca luz. No podemos olvidar que este sensor es capaz de llegar a 102400 ISO. Tiene 24 MP, muy por encima de los 16 MP de la versión anterior. Y encima incorpora el nuevo sistema Dust Removal II que evita cualquier presencia de polvo en el sensor (un problema grave e inexplicable de la anterior versión).
  3. Enfoque automático híbrido por detección de fase y de contraste. Esto asegura un enfoque rápido y preciso en todas las situaciones. Tiene AF-C, pero quizás lo más llamativo es el modo Snap e Infinito que nos permite jugar con la hiperfocal, técnica que puede tener mucho sentido con objetivos angulares.
  4. Un sistema de estabilización de tres ejes para evitar fotografías trepidadas. Lo más llamativo es que gracias a este mecanismo han logrado simular un filtro antialiasing para reducir el efecto moiré cuando sea necesario.
  5. Dentro de un cuerpo pequeño han sido capaces de colocar una pantalla de 3″ de tipo capacitivo, una buena capacidad de respuesta de encendido de apenas 0,8 sg, conexiones inalámbricas, botones personalizables y mucho más.
Ricohgriii1 30 Sf 7En la calle

Parece mentira que un cuerpo tan pequeño pueda tener tantas cosas… Pero ahora vienen las malas noticias. Es una cámara profesional sin visor electrónico. Solo se vende como accesorio, y su precio no es precisamente económico ni viene en un kit.

Tampoco podemos olvidar que la batería tiene poca capacidad y que durante la prueba ha durado lo justo. Esperamos que con una versión nueva de firmware (antes de salir a la venta) aumente de forma importante su capacidad. Y es llamativo, como ha observado un compañero, que la batería (la misma que la del anterior modelo) tiene bastante holgura dentro del cuerpo. ¿Señal de una nueva batería en el futuro inmediato?

Primeros pasos con la Ricoh GR III

Hemos aprovechado la mañana para pasear por la ciudad de Londres. Ha sido poco tiempo pero nos hemos podido hacer una idea del funcionamiento de la Ricoh GR III.

Ricohgriii1 60 Sf 7 1Ricohgriii1 60 Sf 7 1

Es una cámara minimalista. Apenas tiene botones en la parte superior: obturador, rueda de modos de exposición (solo los esenciales) y el encendido. Además de la rueda sin fin con diferentes funciones. En la parte trasera tenemos la pantalla y los típicos botones de una compacta. Y en la frontal solo vemos el objetivo y unas discretas iniciales GR.

No llama la atención por la calle. Puede parecer un móvil incluso. Y eso es algo muy bueno para la fotografía de calle. Lástima la falta de visor… los que disparan con sus teléfonos puede que no noten su ausencia. Pero yo personalmente lo he echado de menos.

Aunque con ese tamaño es verdad que podemos emular a Joan Colom y conseguir que nadie se de cuenta de nuestra presencia. Uno de los modos de autoenfoque nos permite jugar con la hiperfocal y conseguir nitidez aceptable en todos los planos.

Ricohgriii1 100 Sf 7 1Ricohgriii 1/100 f7 1

Solo hay que encender, elegir el modo de exposición y ponerse a disparar sin demora para conseguir la fotografía soñada. La configuración no puede ser más sencilla. Incluso podríamos ponernos a hacer fotografías sin tarjeta porque tiene una memoria propia de 2 GB en su interior.

Es una cámara perfecta para convertirse en nuestra única herramienta de trabajo, pero muchos pensamos en ella como la que nos gustaría llevar siempre en el bolsillo. De hecho, es mucho más pequeña que su gran rival, la serie X100 de Fuji. Aunque la focal es bien distinta.

La ergonomía es igual que la de los modelos anteriores. Perdemos el pequeño flash, pero mantenemos las proporciones. Esa pequeña protuberancia de la empuñadura. Los botones en su sitio justo… salvo el del vídeo, que está en un lateral y es un poco incómodo. Pero seguro que nadie se compra esta cámara para grabar escenas…

Ricohgriii1 60 Sf 14 0Ricohgriii1 60 Sf 14 0

Un 28 mm equivalente puede que nos resulte muy abierto a muchos fotógrafos. Sin embargo siempre podemos recortar en el ordenador o utilizar el crop del menú… que por cierto es limpio y claro. En apenas cinco minutos podemos hacernos con él y encontrar cualquier función.

La opinión de Xataka Foto

No estoy cómodo con las cámaras pequeñas. Mis manos son demasiado grandes. Pero he tenido una sensación agradable con esta Ricoh GR III. Quizás su rápido funcionamiento o la calidad de las imágenes han conseguido que me olvide de ciertas cosas.

Me ha llamado mucho la atención la duración de la batería, pero estoy convencido de que es algo que se solucionará con firmware. Esperemos que sea así y que podamos confirmarlo en el próximo análisis que podamos hacer a la Ricoh GR III. Seguro que uno nuevo terminará de pulir aspectos como este.

La falta de visor me ha decepcionado. Es verdad que se puede poner como accesorio, pero perdería su esencia. Me imagino que será imposible o muy costoso poner uno al estilo Sony RX100. Pero es lo que tenemos que asumir si queremos a cambio ese tamaño y sobre todo una calidad de imagen impropia de una cámara compacta.

Ricohgriii1 40 Sf 7 1Ricohgriii 1/100 f7 1

Es para usuarios avanzados, de corte clásico o para profesionales que no quieren cargar con todo su equipo a todas horas

El precio es alto (899 euros y estará disponible en marzo). Es más cara que una sin espejo con objetivos intercambiables y que muchas réflex, pero no necesitas mucho más. Depende cada uno decidir el equipo que necesita para hacer sus fotografías. No está pensada para aficionados. Es para usuarios avanzados, de corte clásico o directamente para profesionales que no quieren cargar con todo su equipo a todas horas.

Es una máquina que rompe mis esquemas, que no tiene algunas de las cosas que pido a una cámara. Pero que a pesar de sus limitaciones convence por su gran calidad de imagen. Esa es su principal baza. Cuesta encontrar algo tan pequeño con semejantes resultados finales. La amas o la odias. Pero seguro que algún día querrás tenerla en tu bolsillo (y es que cabe realmente).

Fuente: xatakafoto.com




Consejos a tener en cuenta cuando queremos dar el salto a vivir profesionalmente de la fotografía

Consejos a tener en cuenta cuando queremos dar el salto a vivir profesionalmente de la fotografía

Dar el salto a vivir de la fotografía es un paso con miedos, con sacrificios y con una emoción y libertad que no tiene palabras. Algunos que estáis leyendo esto seguís en formación, sea que estéis en un instituto o estéis aprendiendo de la experiencia misma. Y, cuando nos acercamos al momento de ‘¿Y ahora qué?’, pensamos en cómo pasar de este hobby a la realidad de que de esta profesión hay que conseguir como tener que comer, tener un techo y seguir teniendo vida.

En ocasiones pasadas os hemos contado formas en las que podemos rentabilizar nuestras fotografías, así como algunos métodos para conseguir sellar contratos con nuestros posibles clientes. En esta ocasión, el enfoque está en los elementos que hay que tener en cuenta para dar ese paso de ir a buscar clientes.

Jugar estratégicamente

Probablemente el sistema de trabajo al que muchos apuntamos cuando pasamos al mundo profesional es tener nuestra propia firma y conseguir destacar nuestro trabajo de la gran cantidad de competencia que existe ahí afuera. Al final, lo que queremos es mostrar nuestra visión, ¿cierto?

Para no llegar a un punto de quiebre de no poder enfrentarse al mercado, es importante que conozcamos cómo navegar en él. Saber cómo plantear cada paso al ir creciendo, saber dónde hacer un aumento de precio y conseguir balancearse económicamente.

Una vez entramos a trabajar profesionalmente lo primero que tenemos que tener claro es, qué mercado voy a atacar. La fotografía tiene un rango muy amplio, y apuntarle a todo puede ser contraproducente pues no identificarán nuestras fortalezas. Por el contrario, arrancar especializándose en un solo nicho fotográfico también puede quitarnos oportunidades mientras nos damos a conocer.

En este sentido, lo mejor es establecer un área comercial al cual podemos atacar en varios frentes. Tomar una forma general de fotografía nos permite crear una variedad de clientela en esas áreas; por ejemplo, enfocarnos en paisaje y arquitectura nos permite cubrir un nicho para vender nuestro trabajo desde agencias turísticas, a inmobiliarias o incluso a vender postales y fotografías de diseño de interiores. Este acercamiento a un área de mercado nos permitirá generar un portafolio que luego se acerque a la especialidad que queremos tener, mientras nos da un colchón de tener má oportunidades de trabajo.

Lo siguiente a tener en cuenta es el precio de nuestro trabajo. Estamos en un mercado que tiene el gran problema de tener una competencia que parece insensible ante el valor de lo que hacemos. Pero no hay que preocuparse si un cliente nos dice que no nos contrata porque hay alguien que le cobra menos. Lo importante es establecer el valor personal y ser firmes y conscientes ante lo que presentamos.

Al ser principiantes podemos hacer cálculos básicos de qué debemos cobrar por trabajo teniendo en cuenta lo que vale nuestro equipo, los gastos fijos del mes a mes que debemos suplir y el valor de nuestro conocimiento y experiencia. Pero este valor debe ser coherente con lo que estámos vendiendo al cliente. Si cobro 300 euros por una foto, el cliente está esperando una foto de ese valor; si un cliente espera una foto de 1000 euros por 200 euros es cuando debemos decir que no se puede cumplir con esos requerimientos.

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El valor de nuestras imágenes es relativo a nuestra experiencia. Cobrar mucho dinero sin tener experiencia es jugar con la suerte, pues manejar mal el dinero del cliente representa para futuros trabajos que no somos capaces de responder con las demandas ni optimizar el presupuesto (los clientes hablan entre ellos; y no queremos quedar en sus listas negras). Cobrar poco por un trabajo de mayor precio nos puede estancar en que nos contraten solo por ser los baratos, lo que no nos permite crecer. Hay que buscar ese punto dulce donde el precio sea justo para nosotros y que a su vez nosotros podamos satisfacer al cliente que tiene expectativas basadas en ese precio.

El punto anterior nos lleva al tercer elemento más importante en nuestro camino como profesionales: Comunicación efectiva.

Desde la negociación hasta la entrega de un trabajo debemos ser buenos comunicándonos con el cliente. En la cotización deben quedar claros los valores de toma fotográfica, viáticos, retoque los derechos de publicación y los médios de entrega del trabajo y formas de pago del mismo. Durante la producción de las fotografías se debe tener en cuenta las indicaciones nuevas que pueda tener el cliente y saber decirle lo que está cubierto en lo que se pactó y qué cosas pueden estar yéndose sobre el presupuesto. En postproducción siempre surgirán cambios que el cliente querrá saber si se puede arreglar en Photoshop, en este caso es importante que la comunicación sea clara para no perder tiempo en vano, para que el flujo de trabajo sea rápido y efectivo y sea satisfactorio para ambas partes.

Preferiblemente toda comunicación de cambios con los clientes debe quedar por escrito para tener un respaldo legal ante cualquier problema de pagos. Un ejemplo de vida de ello es, tuve que realizar unas fotografías institucionales para un cliente, la propuesta fotográfica tenía unos requerimientos de producción que el cliente decidió encargarse de ellos. No consiguieron los espacios y elementos que requerían las fotografías pedidas, pero decidieron seguir con la producción (a pesar de las advertencias dadas por mi). Al final el concepto inicial vendido y el resultado final fueron muy distintos. No utilizaron el trabajo, pero, desde mi parte cumplí con todos los requisitos y cambios que me generaron, por lo que igual recibí mi pago. Por escrito quedó todo cambio realizado por ellos, lo que justificó el cambio del concepto y lo que los puso en la posición de que esa falla de concepto se debió estrictamente a sus errores.

Finalmente, debemos establecer un sistema de negocio que sea rentable y sostenible. Para ello debemos entender nuestro área de mercado. ¿Cuáles son las temporadas de mayor demanda? ¿Qué tipo de distribuidores me acercan a mis clientes? ¿Qué tipo de fotografías requieren en ese mercado? ¿Cómo me ofrezco a ese mercado?

Un ejemplo práctico de este análisis es la fotografía familiar y social. Uno puede dedicarse a la fotografía de bodas, pero al comienzo es un mercado difícil de destacar. Las principales temporadas de bodas llegan en las vacaciones de verano, que son cotizadas y contratadas con varios meses de anticipación por la planeación que requieren. Sin embargo, si los trabajos de bodas llegarán en la segunda mitad de año, ¿qué puedo hacer para mantenerme a comienzos de año y en las temporadas bajas?

Ahí es cuando se pueden establecer moverse en otros mercados como fotografía de nacimiento o books familiares. Estos mercados secundarios ayudan a que nuestras fotografías se muevan entre clientes potenciales. El book familiar que hacemos hoy es el catalizador de que nos llamen mañana a cubrir la boda de los amigos. La boda que hacemos hoy es la oportunidad de que esa pareja luego nos llame para realizar las fotos de nacimiento de sus hijos.

Pero esto requiere un trabajo adicional. Nosotros debemos buscar esos clientes. Si queremos trabajar en bodas debemos tener contacto y presentar nuestro trabajo a los wedding planners, debemos tratar de conseguir experiencia como segunda cámara para otros fotógrafos e ir consiguiendo contactos y debemos comunicarnos más con la gente. Si queremos ser fotógrafos de viajes, naturaleza y paisaje, debemos invertir en viajar y encontrar nichos. Acercarnos a las compañías de turismo, grupos hoteleros y editoriales de viaje para vender nuestras imágenes. Algunos clientes nos encontrarán por redes y páginas web, pero la mayoría serán clientes que creemos nosotros presentando el por qué somos los indicados para el trabajo.

Es una labor de identificar el movimiento de trabajo, saber cuándo somos más apetecidos y qué podemos hacer como intermedio mientras llegan esos picos. A su vez es una constante lucha de saber cómo manejar nuestras finanzas para suplir las necesidades del mes a mes, saber cómo ahorrar para las épocas de bajo trabajo y saber cómo ahorrar para poder invertir en el crecimiento de nuestro negocio.

Espero estos tips sean de ayuda para vosotros. Si tenéis más consejos para quienes inician en su proceso de vivir de la fotografía, no dudéis en compartirlos a la comunidad en la sección de comentarios. ¡Hasta la próxima!

Fuente: xatakafoto.com